心灵天空

当前位置/ 首页/ 心灵天空/ 正文

艺术画廊 (西方经典油画)

 




法国卢浮宫美术馆

“世界最高艺术殿堂”——卢浮宫自查理路易十四及拿破仑等时期多次大规模修建,于拿破仑三世时期正式完工,历经600多年。后来由于巴黎公社的一把大火烧毁了其中的杜丽宫。

80年代,贝聿铭在正门前方设计了玻璃金字塔入口。

镇馆之宝——蒙娜丽莎 

     蒙罗丽莎的微笑


解读“微笑”:

 蒙娜丽莎是一幅享有盛誉的肖像画杰作,它代表达芬奇的最高艺术成就,成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于画像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境,从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵,那如梦似的妩媚微笑,被不少美术史家称为“神秘的微笑”。
 

达芬奇经典名画之一   蒙娜丽莎

  文艺复兴时期达·芬奇作品《蒙娜丽莎》:500年来,人们一直对《蒙娜丽莎》神秘的微笑莫衷一是。不同的观者或在不同的时间去看,感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔,有时又显得严肃,有时像是略含哀伤,有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中,光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上,微暗的阴影时隐时现,为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上,达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现,没有明确的界线,因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。


 


达芬奇经典名画之二   最后的晚餐

      这是达芬奇的名作《最后的晚餐》,表面描述的是耶稣被犹大出卖之前,与门徒吃最后一餐的场景,但实际上,它隐藏了什么秘密呢?

 壁画《最后的晚餐》是天才达•芬奇少数留下来“完成”的作品,现藏在米兰圣玛利亚德尔格契修道院。取材自圣经马太福音第26章,描绘耶稣在遭罗马兵逮捕的前夕和十二门徒共进最后一餐时预言“你们其中一人将出卖我”后,门徒们显得困惑、哀伤与骚动,纷纷询问耶稣:“主啊,是我吗?”的瞬间情景。唯有坐在耶稣右侧(即画面正方左边第五位)的叛徒犹大惊慌地将身体往后倾,一手抓着出卖耶稣的酬劳、一个装有三十块银币的钱袋,脸部显得阴暗。

达芬奇是怎样把犹大的画得如此形象呢?据说当时达芬奇为塑造犹大的形象已停笔几天,他常站在画前沉思。当时请芬奇作画是按时付酬金的,后几天不动笔使院长十分恼火,并打算扣芬奇的工资。院长将想法通过总管告诉芬奇,芬奇说了停笔的原因。总管虽能理解,但扣工资非他本意,而是承院长旨意。这时芬奇转首看看院长,立即表示可以很快完成犹大的形象,如果实在找不到犹大的模特儿,就把院长的头像画成犹大,总管会意地笑了。芬奇之所以用院长作模特儿,并非完全是出于个人的报复,而是发现院长和犹大都很贪婪金钱,他们在本质上是一致的。

在对画面作一番仔细的观察后,我们就会发现,耶稣的右面的人确实是一个女性的形象,或者说至少是雌雄同体。普林斯和皮克奈特甚至说这个人物的束腰外衣已经烘托出了一个女人的胸部。平行向右移动,她与耶稣的体位是正吻合的。确实,列昂纳多不反对给画面人物赋予女性特征。甚至给一些男性人物也画出了女性的形象。例如,当您细致的观察达·芬奇的著名画作《施洗者约翰》时,就会看到他几乎是一个雌性同体的形象。但是为什么在《最后的晚餐》里,耶稣和约翰朝向不同的方向,摆成一个V字形,而他们的身体又组成一个字母M,是想说明什么问题呢?这和什么符号有关吗?普林斯和皮克奈特认为耶稣和约翰的形体符号恰恰说明,这里所谓的约翰实际上应该是抹大拉的玛利亚,V字形象征了神圣女性的符号,而字母M代表了玛利亚/抹大拉。很明显,不论人们是否赞成这一假设,这是一种很有创见,很令人兴奋的阐释。

画面上有一只无主的手,拿着一把刀,就在彼得的旁边,普林斯和皮克奈特认为这只手不属于画面上任何一个人。艺术家不仅要表现转瞬即逝的情感状态,而且要揭示人的整个内心生活。这也正是我们所要学习的地方,一幅画要画得好就要画的有灵魂,没有灵魂的画是不能使人为之心动的。(来源:网络)









达芬奇经典名画之二   最后的晚餐


达芬奇经典名画之三   岩间圣母

  岩间圣母:这是达·芬奇在米兰最早创作的作品。画面中有机联系的人群形成了三角形的构造。锐角断石的岩石群中,生长着各种植物,显示了与社会上娇惯坏了的同时代画家们的自然表现本质上的不同。神秘的深遂与严肃的静谧支配了画面。画家在这里依据精密的明暗表现,显示了摇曳的光与空气,使画面形成了全新的一致。人们从而可以理解这样的评价,“不只是人物,如果不包含全部内容的画作,不能说是优秀的画家”。在这件作品中,画家最大限度地有效地利用了油画的技法的特性,实现了出色的综合的自然表现。
 

 

达芬奇经典名画之四    抱银鼠的女人

  抱银鼠的女人:这是一件第一米兰时期的作品。由于模特的美貌、才气、内在的温柔、典雅,在10年当中,这位女性都是米兰宫廷的红人。她的名字是切契利亚·卡列拉妮。

 

达芬奇经典名画之五   丽达与天鹅

  丽达与天鹅:题材取自于希腊的神话故事:斯巴达国王廷达瑞俄斯被兄弟希波科翁驱逐出国,在外长期流离后,他到了希腊中部的埃托利亚,埃托利亚的国王特斯提奥斯慧眼识英雄,不但收留了廷达瑞俄斯,并且把女儿——全希腊有名的美人儿丽达嫁给了他。丽达实乃海仙女,廷达瑞俄斯娶了丽达之后,竟然得意忘形,忘了向阿佛洛狄忒祭祀,于是遭到了阿佛洛狄忒的报复


 

达芬奇经典名画之六  圣施洗约翰

  圣施洗约翰:画作取材于圣经中的人物:布道者约翰奉上帝之命,将为耶稣受洗,当他舀起约旦河的圣水为耶稣受洗时,天空突然豁然开朗,有一鸽子形状的圣灵显现在被启开的天空中。从此约翰紧随耶稣布道,得名“施洗约翰”。画面上,漆黑的背景上,施洗约翰上身裸露着,而整个身子没入黑暗里,只有从右肩到胳臂、脸部、右手以及隐约可见的左手,暴露在照明之中。施洗约翰头发很长,宛如一个青年牧羊人,他一手拿着十字架,一手指向天空,脸上露出狡黠而神秘的微笑。这幅画虽属传统题材,人物和背景的描绘却前所未见。事实上,施洗约翰在茫茫黑暗之中指着天国,揭示了画家此时内心的苦闷与彷徨。

来源:中华书画网  文章作者:佚名
 

 

达芬奇经典名画之七 基督受洗

  基督受洗:这是一个基督教传统绘画题材,一天,耶稣来了,他要接受约翰的洗礼。约翰知道他是上帝的儿子,不敢为他施洗。经耶稣劝说,约翰给耶稣施了洗。在这幅画上,达·芬奇奉老师之命,只画了左侧两个小天使中左边一个,可是就这一个侧面形象的天使,从人物造型和脸部的神情表现来看,要比老师所画的其他几个人物生动得多。达·芬奇着重描绘的是一个天真无邪、毫无神秘色彩的儿童形象。儿童头部的卷发、身上的衣褶以及他与据说也是他画的后面的自然背景之间的和谐关系,给人以极其真实可信的感受。尽管是初露头角,但可以看出达·芬奇在人体结构与自然形象方面的深入探究,已经优于他的老师。色彩表现符合规律,形体的写实性十分强烈,因而给人以神态毕肖的印象。画布上这个跪着的小天使,目光炯炯有神,他认真而又好奇地注视着眼前所发生的事件。这一切似乎使他深入幻想的境界。当老师委罗基奥看了之后,也颇有自愧勿如的心情。自此以后,达·芬奇又被老师介绍给一位在陶器釉绘上有独特技艺的画家卢卡·德拉·波比亚,让达·芬奇进一步向这位色彩大师学习绘画的技艺。(来源:华声论坛)














拉斐尔·桑西 

  拉斐尔(文艺复兴三杰之一) 

拉斐尔·桑西(1483 —1520),Raffaello Santi全名Raffaello Sanzio da Urbino,常称为拉斐尔(Raphael),意大利著名画家,也是“文艺复兴后三杰”中最年轻的一位,代表了文艺复兴时期艺术家从事理想美的事业所能达到的巅峰。
他的性情平和、文雅,创作了大量的圣母像,他的作品充分体现了安宁、协调、和谐、对称以及完美和恬静的秩序[1] 



拉斐尔
























拉斐尔
















 


 



拉斐尔







 


提香





                拉斐尔  ( 意大利)


















拉斐尔












梵蒂冈美术馆最早为皇宫,始建于1377年,是历代罗马教皇居所所在。梵蒂冈博物馆是世界上最伟大的博物馆之一,其中的藏品是多个世纪以来罗马天主教会收集、积累的成果,除了教皇厅和教皇房间,还有包括20多个博物馆、美术馆、绘画馆、图书馆等。

镇馆之宝:西斯廷小教堂、拉斐尔画室和《拉奥孔》

 

西斯廷小教堂里著名的穹顶画《创世纪》、巨幅壁画《最后的审判》都以宗教故事为主题,出自一代巨匠米开朗基罗一人之手。据说最近有医学家研究发现,教堂中的许多画中隐藏了解剖学密码。比如,在一幅名为《创造亚当》的画中,上帝的背后其实是一只巨大的肺,而亚当背后的树则象征着支气管。

拉斐尔于1508年—1518年为梵蒂冈做壁画10年,并在此建立了他的画室。他创作的作品中,包括《辩论会》和描述大哲学家苏格拉底、柏拉图和大数学家欧几里得的《雅典学院》,都堪称极品。

《拉奥孔》

站在拉斐尔身旁的画家  (凤凰艺术)



 ▲《雅典学院》局部,左为拉斐尔,右为索多马

在拉斐尔的名画《雅典学院》中,画面最右端就是拉斐尔的好友,著名画家索多马。 ▲索多马自画像局部

索多马原名乔万尼·安东尼奥·巴齐(Giovanni Antonio Bazzi),1477年出生于意大利。他曾跟随伦巴底画派画家马丁诺·斯班佐陀(Matino Spanzotto)学画,1498年到1500年间,他又在米兰追随达芬奇学艺,这为他的绘画打下了良好的基础。1501年,索多马来到锡耶那,与著名画家平图里乔(Pinturicchiao)一起,奠定了16世纪锡耶那画派成熟时期的风格,并度过了他艺术创作的黄金时代。 ▲乔瓦尼·安东尼奥·巴齐Giovanni Antonio Bazzi - Hl. Sebastian und Madonna mit Heiligen

索多马的作品大都以宗教神话和圣经故事为题材,他的画不仅用笔细腻、色彩华丽,以轻巧静谧见长,而且不拘于定式,敢于突破绘制圣画的呆板神秘风格。 ▲乔瓦尼·安东尼奥·巴齐Giovanni Antonio Bazzi - Holy Family with young Saint John

瓦萨里曾记述索多马应邀为奥利维托山修道院绘制关于圣本笃生平的壁画,刚开始,他只是敷衍了事,画得毫无技巧可言。等到修士们忍无可忍质问他时,他却趁机要挟,声称他的水平发挥取决于钱的多少,而当修士们答应增加报酬后,索多马果然立即完成了四幅功力深厚、画面精美的壁画。但修士们始料未及的是,第四幅壁画中竟然有神父与妓女的歌舞场面,他们惊骇万分,命令索多马立刻毁掉它,索多马却满不在乎的随手涂抹,把它改成四幅画中最出色的一幅。 ▲乔瓦尼·安东尼奥·巴齐Giovanni Antonio Bazzi - Christ at the column

他以放荡不羁来对抗附庸风雅,以特立独行来对抗委曲求全,他的荒谬既是对虚伪做作的教俗权贵的嘲弄,又是对压抑人性的社会制度的反讽。 ▲乔瓦尼·安东尼奥·巴齐Giovanni Antonio Bazzi - The Mystic Marriage of Saint Catherine

 ▲乔瓦尼·安东尼奥·巴齐Giovanni Antonio Bazzi - Roxanne Receiving Her Husband's Crown

 ▲乔瓦尼·安东尼奥·巴齐Giovanni Antonio Bazzi - The Presentation of the Virgin in the Temple

 ▲乔瓦尼·安东尼奥·巴齐Giovanni Antonio Bazzi - Rape of the Sabine Women

 




拉斐尔作品的风格和影响:

展示在克拉克艺术学院的28幅作品——由提香、丁托列托、鲁本斯、委拉斯凯兹等晚期文艺复兴或巴洛克时代的明星创作。
 

拉斐尔的作品充分体现了安宁、和谐、协调、对称以及完美和恬静的秩序——从这个意义上说,他的作品确实可被称为“人文主义及文艺复兴世界的顶峰”(朱利亚诺·布里甘蒂,1988年)[9]  

后世影响

编辑
拉斐尔与教皇利奥十世(贺拉斯·贝内特 画)拉斐尔与教皇利奥十世(贺拉斯·贝内特 画)
拉斐尔的画作中以描绘圣母的画幅占绝对优势,所以人们习惯上把拉斐尔与娇美柔顺的圣母形象联系在一起[133]  。他享有罗马教皇梵蒂冈宫廷画家的最大荣誉,与达·芬奇和米开朗琪罗并称为意大利文艺复兴时代的三杰,几个世纪以来,被人歌颂为最伟大的天才画家。就外观来看,拉斐尔是一位无怀疑、无苦涩的畅朗诗人、画家,而且具有极为敏捷的超人才华。他把文艺复兴时期新柏拉图主义的艺术理想,好像轻而易举地就予以形象化[135]  
拉斐尔在美术史上对意大利文艺复兴艺术贡献之大,是任何人都不能否认的史实。虽然,拉斐尔的艺术成就,论英智与创造,他不如达芬奇;论气魄与造型,他不如米开朗琪罗;论色彩与官能,他也不如威尼斯画派,可是他却能充分发挥他综合性的艺术天才,因而他能够缔造文艺复兴时代最辉煌的艺术业绩。拉斐尔很早就吸收了前代艺术大师画风与技法的精髓,然后再把这些精髓统一在自己的实际创造里,并且将重点放在人间理想美的表现上,具体刻画了文艺复兴时代的艺术调和精神,使他成为一位温厚圆熟的人文主义艺术大师。这种理想化的美之调和,就是拉斐尔艺术的精神所在[135]  
拉斐尔怀抱着新柏拉图主艺术理想,以其洗练的画技,将文艺复兴的人文主义发挥到极致。虽然他留下的作品不多,其作品所展现的光华,影响后世甚远。拉斐尔从前代艺术大师们的画风的技法中撷取养分,幻化出柔和、圆润、饱满的调和之美。他的圣母系列作品,更是美术史上不可多得的杰作。拉斐尔以世俗化的手法,将传统的宗教题材描绘成现实生活中的理想美,称颂一般人类线性的光辉,洋溢着幸福与欢愉,更加体现了他的人文主义思想。拉斐尔的艺术被后世称为“古典主义”,不仅启发了巴罗克风格,也对17世纪法国的古典学派产生深远影响。就美术史的角度而言,拉斐尔不仅是文艺复兴时期的画家,更为后世开启一扇创作黄范的新窗[136]  。






拉斐尔圣母像是永恒的经典之作

 












 
沉睡的维纳斯 (收藏于德国大师画廊)






拉斐尔圣母像是永恒的经典之作


拉斐尔 湖畔
 

59pM-fxvixeq0462468

 

















拉斐尔




 


居斯塔夫·库尔贝(1819-1877)法国伟大的画家,写实主义美术的代表。

1849 年,他创作了《採石工人》,这幅画的主题在当时曾经引起了激烈的争论。库尔贝创作这幅画的灵感,是来自于他在迈西埃尔附近看见两个凿石头的男人。他们那种没有前途发展的悲惨境况,使他留下深刻印象。他认為艺术必须描写这种真实的现象,结束当代那种“矫揉造作的艺术”。他的这种选择,招致了许多人对他的不解和批评,资产阶级和慈善家嘲笑他,他的同事也指责他,然而安格尔和德拉克洛瓦却被这种极其不同、极具说明性和全新的观念所打动、慑服。库尔贝的画作摆脱了古典的准则,那直言不讳的写实主义风格引起了一阵风波,而他本人的作风也是如此。他宣称自己是绘画的唯一仲裁者,因此他不仅是个画家,而且是个不纯为艺术、而是为赢得思想自由而作画的人。


库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

绝望(自画像)

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

石工

 

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

筛麦妇

库尔贝画过许多的妇女形象,而以这幅画中的筛麦女子最朴实、最能体现他的美学思想。画中劳动妇女那种毫无修饰的自然身姿,和那裸露的颈项、双手和紧身衣裹着的身体里显现出的健康、结实的身体,都充满着生命的力量。这个完美的劳动妇女形象,使人想起委拉斯开兹的《纺纱女》中的那位侧身纺纱女子的健美体形。

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

奥尔南的葬礼

《奥南的葬礼》是库尔贝在他父亲的谷仓里创作的,并画了五十位同乡的肖像在作品中,其中能看得出来的有他的外祖父、本地教士和他周围的地方牧师们、库尔贝的三个姊妹,等。《奥南的葬礼》的表现力量和强烈的戏剧性,就在于他有意地使这幅画摒弃一切浮夸,拒绝任何夸张的“效应”。它的构图极为简单,人物坚实有力。在表现人体、树木或石头时,都把它们变成活的物质。

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

朱丽叶

 

斜倚的裸女

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

斜躺的女人


库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

万·韦瑟林

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

田园恋人

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

睡眠

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

塞纳河边的年轻女士

  

美丽的爱尔兰女子

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

年轻的农村妇女

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

裸女与狗

 

穿白色长筒袜的女人

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

画室里的画家

 

花神

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

哈莫克

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

拉卢埃山谷

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

雷雨后的峭壁

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

翻腾的大海

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

戴骑士帽的女人

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

窗口前的三个英国女孩

 

保罗-切拉瓦德

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

库尔贝作品

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

库尔贝作品

 

库尔贝作品

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

库尔贝作品

库尔贝油画欣赏 - 闲散人也 - .

库尔贝与黑狗

  






胡塞佩·德·里贝拉 圣塞巴斯蒂安1636

qat7-fxvixer7233027

鲁本斯 劫夺欧罗巴1628-1629

bIkL-fxvixer7233045

圭多雷尼圣塞巴斯蒂安 1617-1619

正在美国克拉克艺术学院举行的“异彩,神话与视野:看一场艺术展览,是否可以既带着历史的客观性,又带着感性的心境。

在现代艺术博物馆性冷淡风格的白色空间里,一幅幅大型尺度的画框里,描绘着女神和仙女、女英雄和弱女子,饱满的乳房和丰满的大腿充斥于画面之中。在展览的最后部分,也有几位男士的画像,不过,仅占展览很小的篇幅。

站在展厅里,我们可以欣赏艺术大师对于人物形象的处理,对于角度和光线的估量,念及当时绘画风格的发展变化,以及所处时代的社会政治背景。

回到16世纪和17世纪,欧洲最伟大的艺术巨匠将自己的画作送往马德里。而今,展示在克拉克艺术学院的28幅作品——由提香、丁托列托、鲁本斯、委拉斯凯兹等晚期文艺复兴或巴洛克时代的明星创作。

在展览开始阶段,我们看到西班牙哈布斯堡王朝时期两位国王忧郁的肖像。提香笔下威风凛凛的腓力二世半侧身像,以及他的孙子腓力四世,委拉斯凯兹为其描绘了标志性的八字胡须。两位均为坚定而狂热的天主教徒,宗教审判所的支持者,对于神话和寓言画依然有着各自独特的趣味。

在这两幅肖像画之间,是女神福尔图娜的肖像,这幅作品是向弗兰德斯画家鲁本斯的委托,也可能是其工作室的作品。画面描绘了一位裸体女神伫立于怒海滔天之中,她的一只脚站在水晶球上,手中的遮羞布被狂风吹起,露出肉感的身体,而她的头发却依然自然地下垂,丝毫未受到风的影响。

在16世纪至17世纪早期,西班牙统治着弗兰德斯地区以及而今意大利的大部分区域,这两位国王都喜爱委托外国大师作画,以装点马德里和埃斯科里亚尔的宫殿。

腓力四世委托鲁本斯创作了数十幅神话主题作品,其中包括《希波达弥亚的劫夺》(The Rape of Hippodamia)。这幅画面来源于奥维德的《变形记》,讲述了在皮瑞苏斯的婚宴上,两拨人马抢夺新娘的故事,体现了男人的兽性和理性之争。鲁本斯将这幅场景以类似于浅浮雕的效果表现出来,呈现了一群男子以极其戏剧化的姿态抢夺一位女子。

 这些图画都留在了国王的私人房间。在本次展览中,提香的作品《维纳斯和风琴师及丘比特》(Venus With an Organist and Cupid)创作于1550年至1555年。维纳斯侧身斜躺在红色丝绒上,提香以惊人的流畅笔法,描绘出丝绒上紫色的纹样。男孩在她耳边轻声细语,她扭头看着儿子,在另一个方向,管风琴师赤裸裸地凝视着她的身体。

爱神有一副平静的面孔,她的腹部微微有一些赘肉,整幅画面尤为吸引人。事实上,提香在整个创作生涯中曾经为不同客户创作过多件相似作品,丘比特有时候会换成小狗,管风琴师有时候会换成鲁特琴师。有一些学者认为这样的画面反映了一种柏拉图主义的感情,音乐和裸体,象征了对于美与和谐的感受。

当腓力四世继承王位之后,他将这幅作品搬到阿尔卡萨宫一个特别的房间,称为“提香之间”。可见他对提香作品的喜爱绝非一般。

作为一个狂热的提香崇拜者,鲁本斯自然也曾经获准拜访过提香之间。他临摹了提香为腓力二世所作的《劫掠欧罗巴》(Rape of Europa)。在奥维德的《变形记》中,朱庇特爱上了欧罗巴公主,他变成一头白色公牛接近她。当欧罗巴和伙伴在海滩上玩耍时,朱庇特吸引她走远,并将其带到克里特岛。骑着海豚的丘比特反映了急不可耐的爱火,而在空中手持弓箭的一对丘比特预示着引诱成功。

收藏这些画作的房间被称为“保管室”(salas reservadas),这些私人房间仅向热爱艺术的国王及其他贵族开放。

当时的时代,依然处于反宗教改革的高潮阶段。1563年,在特伦特会议的最后阶段,教会勾勒出天主教社会中艺术的作用,并明确表示“身体不应以激发欲望的美描绘或装点”。至1830年,这些作品进入普拉多博物馆,也成为博物馆最重要的一系列收藏。

“异彩,神话与视野:来自普拉多博物馆的裸体绘画”中,所有参展的28幅作品中有24幅都是首次登陆美国。本次展览是普拉多博物馆和克拉克艺术学院的第二次合作,2010年,普拉多博物馆举办“雷诺阿的激情”大展时,克拉克艺术学院曾经出借了馆藏的31幅雷诺阿作品,当时那场展览也成为了西班牙博物馆历史上最受欢迎的展览之一。从这场展览中,世人也可以一觑西班牙王室艺术赞助的复杂历史。

17世纪初一系列圣塞巴斯蒂安的肖像画,展现了男性身体同样可以很性感,即便是在宗教背景之下。

胡塞佩·德·里贝拉(Jusepe de Ribera)在1636年描绘了被4支弓箭射穿的瘦削而结实的圣塞巴斯蒂安。圭多雷尼(Guido Reni)的圣塞巴斯蒂安沐浴在更加戏剧化的明暗对比之中。他只在腹部插着一根箭,面孔扭向天空,仿佛在做形而上的思索。 

“看到这幅画的一刹那,我整个存在被一种异教式的狂喜所震撼。”三岛由纪夫在他1949年的《假面的告白》中叙述了小说中的“我”13岁第一次在父亲的画册上看到这幅作品的震撼 。








安格尔









卢浮宫等收藏的精品:





镜前的维纳斯    (收藏于英国国家博物馆)



收藏于巴黎奥赛博物馆



森林之神与仙女们  (收藏于美国)



维纳斯的诞生 ( 收藏于巴黎奥赛博物馆)








春回  (收藏于美国)




1896年  海浪

































我要评论